MARUJO DA LUZ

Daniela Name

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No Canto II de A Divina Comédia, Dante narra o momento em que, ao sair do Inferno, ainda na praia do Purgatório na companhia de Virgílio, viu uma luz resplandecente saindo da água: era um anjo que conduzia ao porto as almas recém-chegadas da
Terra. O poeta Jorge de Lima faz alusão a este mesmo personagem no Canto I de A invenção de Orfeu, batizado de “Fundação da Ilha”. Nos dois livros, o anjo marujo não usa nem velas, nem remos: a balsa ganha prumo com suas asas e é movimentada pela força de sua luz. Delson Uchôa é um leitor das duas histórias. Conterrâneo do alagoano Jorge de Lima, o pintor deu o nome de Dante a um de seus filhos. Ao olhar para o conjunto de seus trabalhos recentes, talvez consigamos enxergar o brilho desta criatura ao mesmo tempo alada e submarina, uma presença encantada que nos permite navegar no rio que banha mundos distintos.

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Uma fluidez própria da água aparece de maneira direta ou indireta em todas as grandes pinturas expostas nesta mostra. Outro ponto em comum é a noção de trânsito, de uma imagem ou mensagem que é conduzida de um espaço-tempo para outro, buscando novas configurações e experiências. Há ainda a sobreposição: camadas de tinta e de cor que se acomodam umas sobre as outras e se incomodam, criando planos e horizontes para desvendar. Nos dois trabalhos mais antigos, Oceano e Equinócio, ambos de 2012, é possível ver duas abordagens distintas e igualmente potentes dessas questões.

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Em Equinócio, o tecido que antes encampava guarda-chuvas vindos da China, os mesmos usados na série de fotografias e performances do Bicho-da-seda, ajuda a dar forma a quatro prumos. Cada um deles é dividido em semicírculos, criando dois hemisférios. Essas agulhas de corpo arredondado são a um só tempo os quatro pontos cardeais e um emaranhado de referências possíveis à história da arte: as lanças de Ucello, os minaretes turcos, as torres da vanguarda russa. As cores que se alternam entre os amarelos e os vermelhos e rosas, claro e escuro, dia e noite, revelam que o equilíbrio destes prumos não vem dos centímetros nem do magnetismo, mas de uma ideia de ciclo. Na obra de Uchôa, o jogo entre as cores é sempre uma dança com o sol e, portanto, uma conversa com o tempo. Sua cor não é matéria-tinta, puro pigmento, e sim cor-luz, incidência luminosa sobre a paisagem, tanto aquela que está do lado de fora quanto aquela que se forma dentro de nossos corpos, retina e memória.

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Oceano deixa isso bastante claro: criado durante as experiências do artista com a bebida ayahuasca e as cerimônias do Santo Daime, o trabalho traz a lembrança de que o mundo submarino é povoado por cores fluorescentes e tons capazes de iluminar a escuridão abissal. Uchôa constrói uma rede abstrata e geométrica, mas subverte a noção de um grid moderno ao infiltrar sua trama com imperfeições e embaralhamentos – momentos em que se esgarça e não se completa. No fundo da rede, está o oceano, que só se enxerga parcialmente da beira d’água, superfície da pintura. E o que se pode ver é a sobreposição de camadas de cor-luz. Esses fachos luminosos parecem submergir da imensidão de azuis. Como peixes alados, esquentam a rede em tons de amarelo, alaranjado e rosa, e parecem quase conseguir romper seu trançado – lembrança do véu arquitetônico de um muxarabi. Há, nesta pintura, um amarelo que é quase ouro, evocando Klimt e sua pintura de caleidoscópios. Como Uchôa, ele foi dono de uma obra que esteve nas fronteiras entre a abstração e a figura, âncora de seu tempo e nostalgia daquilo que era antes; pintura que se come pelas beiras. A pororoca entre estes dois artistas poderia se dar nas águas do Bizâncio, com a investigação dos limites da pintura para além da janela renascentista. Pintura como um acontecimento luminoso, pois cria sua multiplicidade de planos a partir de sua capacidade de reverberação da cor.

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Nas viagens elípticas proporcionadas por Uchôa, marujo da luz, fomos até Klimt, mas poderíamos chegar a Matisse. Há em comum entre o artista alagoano e o pintor francês a transformação da cor em corpo, linha e mancha reunidas indistintamente, além de um desavergonhado e bem-sucedido flerte com a arquitetura naquilo que ela tem mais inútil e mais belo: o ornamento. Entretela, de 2014, ilumina estas características. A retomada dos prumos de Equinócio e da ideia de rede presente em Oceano ganha aqui novas possibilidades de leitura, com a construção de alicerces de uma arquitetura virtual em uma tela que veio da arquitetura “de fato”. Explica-se: este é um trabalho da série que Uchôa chama de “pinturas cultivadas”. Ele deposita camadas e camadas de tinta no piso de seu ateliê e assim inicia o “cultivo”, criando a tela a partir desta semeadura de matéria pictórica. O que se vê na parede como espelho e horizonte foi um dia pele do chão. A tridimensionalidade que se insinua nos planos construídos por diagonais e padronagens geométricas tem como alicerce a arquitetura real do espaço de criação do artista. É um trabalho criado a partir do processo, pintura feita de pinturas – e o título Entretela enfatiza isso de maneira muito complexa e feliz.

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Neurocondução, trabalho mais recente desta mostra, enfatiza a relação de Uchôa com uma cor que viaja e se transforma no tempo. O título é uma das inúmeras referências biológicas e clínicas com que o artista, formado em Medicina, povoa sua história nas artes plásticas. Mas Neurocondução evidencia mais uma vez o deslocamento e a metamorfose, que, nesse caso, é fruto de uma nova investigação. O artista preparou uma tela feita de lona muito grossa e a dobra como um origami. O desenho em preto é feito a partir das linhas de dobra, memória deste alicerce, desta pintura-corpo. Uchôa expõe, então, esta superfície ao ar livre, à ação do sol e da chuva. A tinta rosa presente no primeiro plano da composição é uma espécie de aquarela pluviométrica: desenho feito pelas nuvens e suas precipitações, lagoa de cor que secou sobre a geometria e a reconfigurou. Essa é uma pintura que abre novas veredas para a relação deste artista inquieto com a paisagem e com a topografia. Novas águas, outras viagens espiraladas e luminosas.

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Se fôssemos terminar este texto também numa elipse, poderíamos voltar a Jorge de Lima: “Não sou a Luz mas fui mandado/ para testemunhar a luz/ que flui deste poema alheio”.

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